Marzo 2004

Enrico Bettinello

Anche una manifestazione concettualmente lontana dal mondo del jazz come il Festival di Sanremo può offrire qualche spunto di riflessione, specialmente in rapporto alla connotazione che viene abitualmente data [e recepita] a un pubblico generalista del termine e della musica "jazz".

Senza ritornare con la mente e le orecchie alle mitiche edizioni in cui si poteva trovare Louis Armstrong tra i partecipanti e Lionel Hampton a rifare con l'orchestra le canzoni, capita ad esempio spesso che tra gli ospiti internazionali venga inserito qualche "nome" jazz, che - come si suol dire - "fa sempre tanto fine..." [lo scorso anno era stata la volta di Diana Krall].

L'edizione 2004 della kermesse canora, caratterizzata dalla sgangherata direzione artistica di Tony Renis, dall'assenza delle major [ma tanto il mercato risponde picche in ogni caso] e dalla sempre più inevitabile centralità dell'evento televisivo, ha anch'essa riservato qualche spunto interessante nell'ottica del discorso. Così, senza una particolare linea e senza alcuna pretesa di completezza, cerchiamo di annotarne qualcuno.


Incominciamo da Mario Rosini, da subito presentato alla stampa come "pianista jazz": il musicista, che ha un buon curriculum come sideman, ha cantato una canzone [bella o brutta che si voglia giudicare] che è tutto tranne che jazz, costruita secondo i dettami classici della melodia italiana - con qualche dettaglio armonico non banalissimo - e atta solo a evidenziare la voce di Rosini.

Ciononostante - e nonostante il pianismo del cantante non si caratterizzi minimamente come jazz in questo brano - la stampa continua a identificare Rosini come il "pianista jazz", forse per fornire alla sua proposta una sorta di "benedizione" di qualità.

A prescindere dal fatto che pur ricevendo ogni anno decine di dischi di jazz italiano (ma questo non vuole necessariamente dire...) non avevamo mai sentito il nome di Rosini in questo ambito, la cosa che ci interessa sottolineare è come questo "status" di "musicista serio" garantisca al cantante una sorta di "intoccabilità".

Ma proviamo a immaginare se la sua canzone fosse stata presentata senza questa sorta di "habitat" (su cui influisce moltissimo il caso di Sergio Cammariere lo scorso anno). Si sarebbe parlato di ennesima canzonetta sanremese, di melodia all'italiana impermeabile a ogni innovazione - e effettivamente "Sei la vita mia" potrebbe essere stata presentata a qualsiasi festival da trent'anni a questa parte - e invece la pretesa qualità con cui viene presentato Rosini [ripetiamo, non stiamo contestando le qualità del musicista, che ha cantato con grande professionalità] lo rende immune da questo tipo di annotazione.

Curioso no? In Italia non si vendono dischi di jazz, ma se anche solo si accenna che una persona ha lo status di "jazzista" [dato poi da cosa?], viene guardato sotto una luce completamente diversa.


Ma andiamo avanti e passiamo a Neffa: nel suo caso il ragionamento è simile, ma leggermente spostato, dal momento che il [pre]giudizio viene focalizzato sul tipo di canzone invece che sull'interprete.

Neffa è un personaggio simpatico, partito nell'improbabile veste di musicista hip- hop e poi trasformatosi in una sorta di indefinibile pop-star in grado di coniugare facili ritornelli con un gusto ritmico afroamericano un po' blasé e assai gradevole.

Questi suoi "precedenti" gli consentono di presentare senza alcun timore dueminutiemmezzo di un'esile canzonetta swing, leggera e senza tempo, vagamente simile a quelle che presentava Sergio Caputo diversi anni fa [e le canzoni di Caputo erano molto più originali e intelligenti di quella sanremese di Neffa], una specie di apparizione in bianco e nero che non sarebbe stata consentita a nessuno, ma che è resa possibile proprio in virtù di questa recente "immagine" di Neffa come "intenditore" e qualificato esponente di una musica dalla forte connotazione black.

Che la canzone sia davvero banale - sia nel testo che nella musica - nessun lo dice, dal momento che è il "modello" a contare e a porre Neffa in una sorta di bunker concettuale per cui non si osa sollevare perplessità sulla sua canzone, pena l'essere tacciati di profonda ignoranza dei "pilastri" della musica.


Andiamo avanti? Lo facciamo con Andrea Mingardi, onesto e sanguigno cantante emiliano, che si ritrova in questo Sanremo a esplicitare il riferimento alla musica nera sia nella canzone sia nell'accoppiamento con la gloriosa Blues Brothers Band.

Nel testo della sua "È la musica" vengono citati esplicitamente Miles Davis, Charlie Parker, Ray Charles, mentre la struttura della canzone è un classico rhythm'n'blues: poco importa che la musica sia assolutamente priva di qualsiasi guizzo di originalità, quel che conta è l'adesione - totalmente acritica - a un "modello" [a Mingardi è congeniale l'R&B, ma sarebbe lo stesso identico discorso con qualsiasi altra musica del mondo, dalla bossanova alla ballata irlandese] che connota come "valida" la scelta dell'artista.

In questo ambito, la Blues Brothers Band è un ulteriore suggello: se ci sono loro [non importa che cosa stiano suonando] pensa lo spettatore, vuole dire che Mingardi è un artista "di livello", e lo schermo dell'R&B lo protegge da eventuali appunti: non abbiamo infatti letto, ma forse ci saranno stati, commenti negativi sulla sua canzone, che pure è banalissima, mentre si sottolineava a più riprese il feeling con la Blues Brothers Band, quasi una sorta di "imprimatur" artistico.


Da questi pochi esempi emerge un concetto del jazz e della musica nera come di un "luogo artistico" in cui la qualità è data oggettivamente per scontata, in cui il fatto che lo spettatore non sia in grado di riconoscersi porta a una sorta di accettazione incondizionata - tanto poi i dischi chi li compra e ai concerti chi ci va? - di un'immagine del jazz assolutamente piatta e del tutto contraria invece a quella che è stata la forza vitale e problematizzante delle musiche nere lungo tutto il '900 e oltre.

Ulteriore esempio - tralasciando l'apparizione incolore di Nathalie Cole - è stata l'apparizione come ospite speciale del giovane ragazzino prodigio del sax, il siciliano Francesco Cafiso, cimentatosi in una versione convulsa di "Cherokee".

Il jazz entra nelle case degli italiani sotto le spoglie un po' inquietanti di un quattordicenne, tecnicamente bravissimo, che in tre minuti satura ogni possibile angolo dei chorus dello standard [tanto alla platea che gliene fregava fosse "Cherokee" con tutta la sua storia interpretativa, poteva essere qualsiasi altro brano...] e dona al pubblico una fotografia di un jazz che non rispecchia il mondo che ci circonda [vogliamo sperare che Cafiso non ami andare in giro con il completo grigio e che possa ascoltare anche DJ Spooky, Bjork, Me'Shell, o quello che vuole], in cui vige l'equazione qualità = virtuosismo, in cui i grandi maestri stanno appesi come icone [pericoloso assai a Sanremo, dove si accolgono come "miti" Mino Reitano e Toto Cutugno!] e ci guardano immobili.


Ovvio che non è certo il Festival di Sanremo il luogo in cui una musica a più livelli di significato come quella afroamericana può trovare una collocazione utile e dinamica, ma è comunque interessante notare alcune di queste dinamiche.

Perché ci dicono molto di più sulla problematicità della comunicazione del jazz e di altre musiche che non mille dibattiti e classifiche nelle riviste specializzate.